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La Moda pasa de moda; El Estilo, nunca.

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viernes, 19 de mayo de 2017

PINTURA VANGUARDISTA EN CHEERS







EN ESTA OBRA ACRÍLICA LLEVA ESCRITO
UNOS VERSOS EN GALLEGO (GALEGO): 
UNO DE RAMÓN CABANILLAS 
Y OTRO INSPIRADO EN UN PROVERBIO CHINO.



PRESENTACIÓN DE LA GALERÍA 
DE PINTURA VANGUARDISTA
EN


lunes, 27 de marzo de 2017

PINTORES DA TERRA E DA MAR: JOSÉ GONZÁLEZ COLLADO



El pintor José María González Collado nace en Ferrol en 1926.
A los 12 años ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Ferrol, la más antigua de este tipo en Galicia.

Estudia en la Escuela de Aprendices de Bazán, entrando en el Departamento de Delineación y Electricidad de esa empresa.
En 1942 conoce al pintor, ya consagrado Felipe Bello Piñeiro, que en ese año fué elegido Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de la Coruña.
A los 17 años recibe su primer premio en la Exposición de Arte, Educación Y Descanso, en La Coruña (1943); a los 18 gana el primer premio en la V Exposición de Arte del SEU, en La Coruña y le conceden una beca de ayuda juvenil con la que se irá a estudiar a Madrid.




En 1944 realiza su primera exposición individual en el Casino Ferrolano, cuando solamente contaba 18 años. 
En 1945 se desplaza a Madrid para estudiar pintura. El afán de aprender es enorme y a diario visita el museo del Prado: siente fascinación por Velázquez, admira a Goya al que considera el mejor pintor del mundo, precursor del impresionismo y de la pintura moderna. 
Pronto tiene que regresar a Ferrol a cumplir el servicio militar. Después de realizar la instrucción, consigue a través del escritor Camilo José Cela -al que había conocido en las tertulias de la capital- que lo destinen de nuevo a Madrid para así poder continuar sus estudios. Por fin tiene la oportunidad de realizar el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes, dibuja, a tamaño natural, una figura de una escultura griega de dos metros de altura. Aprueba con el número 2, en un curso de 90 alumnos. En la escuela aprenderá sobre forma y color, técnicas y estilos.
En esta época visita el magnífico pintor ferrolano Alvarez de Sotomayor, que se convierte en su protector y maestro, prestándole consejo, y en alguna ocasión ayuda económica. 
En 1947 se casa con Josefina Pena, con la que sigue felizmente tras casi cuarenta años de matrimonio. Tienen tres hijas que siguen la senda artística de sus padres: Fina, en publicidad, Lilí en restauración de obras de arte y Merchi en restauración de documentos. 
Viaja por el norte de África, Marruecos y Argelia, donde pinta nuevos temas y otros colores. 
En 1957 viaja a París donde se empapa de museos y pintores, en el centro mundial de las últimas tendencias artísticas desde el siglo XIX. 
En 1959 vuelve a Madrid, y allí permanece hasta 1997, año en que regresa a Ferrol, donde monta su nuevo Estudio 46 en el sigue trabajando, con los bríos propios de un joven artista.






Finalizando el año 2006, el Ayuntamiento de Ferrol le organiza una Exposición Antológica donde presenta mas de 160 obras que constituye un éxito de crítica y público. Al mismo tiempo le es concedida la insignia de oro de la ciudad, y se urbaniza una plaza frente a su estudio que llevará su nombre, Plaza de José González Collado.

Desde 2009 expone con regularidad en Portugal, en galerías de Oporto. Vila do Conde, Guimaraes...



En 2012 el Diario de Ferrol le concede el premio a una trayectoria por su dedicación a la pintura.

En Marzo de 2015 en su Ferrol natal es nombrado hijo predilecto por toda su trayectoria y  su figura como referente gallego y español.
A principios de este mismo año 2017, González Collado dona a la diócesis de Mondoñedo 76 cuadros de su colección.

Su obra "Última cena" por sus dimensiones y representatividad, será ubicada precisamente en la Catedral-Basílica de Mondoñedo. 










viernes, 17 de marzo de 2017

RESISTENCIA DE LAS TELAS: TEST MARTINDALE

Resistencia de las telas

Estamos especializados en telas para tapicería, os vamos a intentar explicar el motivo por el cual una tela se considera apta para tapizar o no. Vemos que es generalizado y que mucha gente piensa, que todas las telas valen para tapizar, o que las telas gruesas son las más duraderas. Pues ni todas valen, ni la más gruesa es la más resistente, y todo esto no es porque nosotros o el fabricante de la tela lo diga, sino porque existen una serie de ensayos de laboratorio por los cuales se determina la resistencia a la abrasión de un tejido, realmente hay varios métodos pero quizá los dos más aceptados sean Martindale y Wyzenbeek, aunque este último rara vez se utiliza, al considerarse el Martidale como una referencia en la industria textil.

¿Cómo funciona el test Martindale?

Para realizar el test Martidale existe una máquina a tal efecto, dispone de unos platos sobre los cuales se colocan varias muestras de la misma tela , sobre la tela actúan una serie de discos con distintos grados de abrasión , estos realizan un movimiento oscilo rotatorio conocido como figura de Lissajous, las muestras de tela son continuamente analizadas para determinar cuando se genera el desgaste o la rotura de la fibra, pudiendo determinar el número de ciclos resistentes.

Puede ver un video de como 
se realiza un ensayo Martindale


¿Cómo se interpretan los resultados del test Martindale?
Los resultados de los test se valoran en un unidades de mil en mil, cuanto más alto es el número de ciclos más resistente a la abrasión es la tela.
Una vez pasados los ensayos no existe una clasificación como tal para los tejidos, en función de nuestra experiencia con las telas podemos clasificarlas según el número de ciclos martidale.

Menos de 10.000 ciclos Martindale.
Lo consideramos como telas aptas para tapicería decorativa , cojines , colchas ,

Entre 10.000 y 15.000 ciclos Martindale.
Uso residencial ligero, recomendado para piezas auxiliares, tipo butacas descalzadoras, poufs …

Entre 15.000 y 30.000 ciclos Martindale.
Uso residencial moderado, apto para cualquier tipo de pieza de uso diario, butacas, sofás, sillas, cabeceros ….

Entre de 30.000 y 50.000 ciclos Martindale
Uso comercial intenso, aptas para lugares de pública concurrencia, sometidas a un alto tránsito.
En el mercado también podemos encontrar telas con más de 50.000 ciclos, pero el comportamiento de una tela de 80.000 / 100.000 ciclos es prácticamente el mismo que una de 50.0000, son muy pocos los casos en los que podemos realmente llega a apreciar la resistencia de este tipo de tejidos, quizá en automoción si se pueden llegar a dar este tipo de casos , autobuses urbanos o salas de congresos con un altísimo tránsito, pero nunca en tapicería decorativa.
Los catálogos textiles se suelen presentar en dos formatos libro o percha, en los libros la ficha técnica de la tela suele esta colocada en dos sitios, una etiqueta pegada a la parte trasera de cada tela, esta etiqueta suele ser pequeñita y contener simbología abreviada debido al tamaño de la etiqueta, pero al final del libro siempre tiene que existir una ficha técnica ampliada donde indique todas las características de la tela, ancho, composición, merma, repetición / rapport, usos y cuidados. En los formatos de percha os encontrareis con la misma información solo que en formato abreviado.

Con estos datos el usuario doméstico tendrá toda la información necesaria sobre el producto, en los casos que un profesional necesite información en concreto sobre un tejido, por ejemplo si este cumple normas antiincendios, los fabricantes disponen de una base de datos ampliada sobre el producto, para obtener este tipo de información puede realizar una consulta sin problema, los distribuidores textiles dispone de un acceso a la intranet donde se publican con detalle los ensayos a los cuales se somete el tejido y su correspondiente resultado.



miércoles, 25 de enero de 2017

JUAN MANUEL AYALA: PINTURA SOBRE TABLA CON TINTES FLAMENCOS



JUAN MANUEL AYALA
Juan Manuel Ayala no acostumbra a firmar sus obras pero la rúbrica no es necesaria para identificar su más que reconocible estilo y factura de sus obras.
Ayala es uno de los pintores cordobeses más entrañables y que se mantiene en la más absoluta intimidad y austeridad. Y es que Córdoba ha dado como fruto de su cultura y de su riqueza patrimonial, grandes artistas que se sientan a pintar en medio de la soledad, las pintorescas calles de la ciudad y sus personajes cotidianos.

Lejos de la fama ansiada por muchos de los artistas de nuestro tiempo, Juan Manuel Ayala cultiva su arte no para la admiración de la humanidad sino como desarrollo de su espiritualidad y de su persona.

El artista no es un artesano pero del mismo modo, no sólo se realiza como tal magnificando su obra, sino también, presta sus dotes artísticos para realizar magníficas pinturas y cuadros al oleo que requieren de su maestría.

En este caso, es sólo un grupo reducido de familiares y amigos los afortunados con los que comparte su vida y el don más preciado que tiene, la pintura. Y en ocasiones realiza trabajos de restauración como la intervención pictórica en el palio del popular Cristo cordobés, el Rescatado, el cuál gracias a su colaboración pudo lucir sus colores originales durante la Semana Santa de su ciudad natal.

La obra de Ayala es muy rica y fácilmente identificable, tal es su representativo y peculiar estilo que recuerda a los más grandes pintores de siglos pasados. En sus obras de arte podemos encontrar pinturas sobre tabla con tintes flamencos como los retratos al estilo de los hermanos Van Eyck, o las representaciones de la Madonna de expresiones renacentistas que recuerdan a La Virgen de las Rocas de Leonardo Da Vinci.


El Nazareno de la muralla o Cristo del Adarve es un lienzo de Juan Manuel Ayala, artista del mismo barrio cordobés y quien se encargaría de restaurar la pintura tras el daño causado por un acto humano de pura ignorancia. Una imagen que la propia devoción y fervor popular ha fraguado sobre la muralla del Adarve, creando un culto urbano que intenta conservarse y aún sigue produciéndose en diferentes callejones de la ciudad con ofrendas de flor o cera. 
Éste forma parte del patrimonio que vuelve a recuperarse en uno de los barrios más castizos de Córdoba, donde la estética deteriorada de una muralla almorávide se mantiene viva por la actual idiosincrasia del barrio. Al fin y al cabo, y para los más escépticos, se convierte en una forma de salvaguarda para las murallas de una ciudad que nos cuentan algo más de lo que vemos.


martes, 17 de enero de 2017

MARÍA ANTONIA DÍAZ DE BELLAS ARTES


ENMARCADO EN MADERA MACIZA 
Y DECORADA ARTESANALMENTE
MARÍA ANTONIA DÍAZ

Nace en San Esteban de Pravia, Asturias.

Hasta los nueve años vive en Gijón, y desde entonces reside en Oviedo, ciudad en la que cursa estudios de dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes, que amplía posteriormente en Madrid.

Disfruta de una Beca Estudio que la hace conocer a los pintores y escultores más influyentes en su vida artística. 

María Antonia Díaz viene exponiendo individualmente en las mejores galerías con gran éxito de crítica. 

Su estilo tiende al expresionismo con temáticas bucólicas y rurales de una belleza mística.



martes, 15 de noviembre de 2016

ART WOLFE: FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA Y "EL FANTASMA" DE PETER LIK, LA FOTO MÁS CARA






ART WOLFE

   FOTOGRAFÍA 
Michael Wolfe (nacido en 1954 en Múnich ) es un alemán artista y fotógrafo vive y trabaja en Hong Kong y París. Su trabajo se centra en la vida en las grandes ciudades.
Nació en Alemania y se crió en los Estados Unidos, Europa y Canadá. Estudió en el Instituto del Norte Toronto Colegiado y la Universidad de California, Berkeley. En 1976 obtuvo el título de la comunicación visual en el Universidad de Essen, Alemania, donde estudió con Otto Steinert. 

Michael Wolfe
Comenzó su carrera en 1994 como reportero gráfico, pasar ocho años trabajando en Hong Kong para la revista alemana Stern. Él ganó un primer premio en Cuestiones de actualidad en el 2004 World Press Photo competencia por sus fotografías para un artículo en la revista Stern titulado China: fábrica del mundo. las fotografías se representa trabajadores en varios tipos de fábricas. 

Michael Wolfe
Afirma que una disminución en la industria de las revistas llevó a convertirse en asignaciones de fotoperiodismo "estúpido y aburrido." En 2003 se decidió trabajar sólo en la fotografía artística proyectos. 

El enfoque de Wolfe a la fotografía de naturaleza combina elementos de foto periodismo y la fotografía artística. Wolfe enumera sus principales influencias como Ernst Haas y Eliot Porter.  
En su libro de 1994, Migraciones, Wolfe presenta fotografías que eran estrictamente documental, así como otros que se han mejorado. A través de un proceso llamado "clonación", por ejemplo, Wolfe se esforzó para mejorar los patrones visuales y crear fotos con impacto potencialmente mayor que originalmente capturada.

Entre las exposiciones de la obra de Michael Wolfe más notables incluyen:

2003: Retratos del Pueblo Chino, John Batten Gallery, Hong Kong 
2005: Arquitectura de la densidad, Robert Koch Gallery, San Francisco 
2006: Made in China, Museum of Contemporary Photography, Chicago (grupo que incluye exhibición The Real Toy Story) 
2006: La verdadera historia del juguete, Museo del Trabajo, Hamburgo 
2006: 100 X 100, Instituto Goethe, Hong Kong 
2007: chino copia de Arte, Instituto Goethe, Hong Kong 
2007: Copia Arte y de 100 x 100, Robert Koch Gallery, San Francisco 
2008-2009: Transparente Ciudad, Museum of Contemporar y Photography, Chicago 
2008-2009: Ciudad transparente, Robert Koch Gallery, San Francisco 
2010: París Street View, espuma Fotografiemuseum Amsterdam 
2010: iseeyou, Bruce Silverstein Gallery, Nueva York 
2010: La vida en las ciudades, m97 Gallery, Shanghai 
2011: Compresión Tokio, Forum für Fotografía Köln 
2011-12 Michael Wolf, galerías Flores, Londres, 25 de noviembre de 2011 - 7 de enero de 2012.

Colecciones seleccionadas 

Museo de Brooklyn, Nueva York 
Milwaukee Art Museum, Wisconsin 
Museo Folkwang, Essen, Alemania 
Museum of Contemporary Photography, Chicago 

Libros seleccionados

Wolf, Michael. Sentado en China. Göttingen: Steidl, 2002. 
Wolf, Michael. Hong Kong de la puerta principal puerta de atrás. Londres: Thames & Hudson, 
Min, Anchee, Duo Duo, y Stefan Landsberger propaganda china Poster: De la colección de Michael Wolf. Edición especial de 25 aniversario de Taschen. Köln: Taschen, 2008. 
Wolf, Michael. La ciudad transparente. Nueva York: Apertura / MoCP, 2008. 
Wolf, Michael. Hong Kong Interior Exterior. Berlín: Asia Uno / Peperoni, 2009. 
Wolf, Michael. Año fiscal. Berlín: Wanderer Libros / Peperoni, 2010.
Wolf, Michael. Compresión de Tokio. Berlín: Asia Uno / Peperoni, 2010. 
Wolf, Michael. Asoue (Una serie de eventos desafortunados), 2ª edición. Berlín: Wanderer Libros / Peperoni, 2011.
Wolf, Michael. Revisited Tokio compresión. Berlín: Asia Uno / Peperoni, 2011: Peperoni, 2011.



la fotografía más cara de la historia⬊
La ha comprado un coleccionista privado por 5,2 millones €s. Es un haz de luz en una caverna subterránea del Antelope Canyon de Arizona.
La fotografía Phantom (Fantasma), de un haz de luz colándose por una caverna subterránea del Antelope Canyon de Arizona tomada por el australiano Peter Lik, se ha convertido en la más cara de la historia al venderse a un coleccionista privado por un récord de 6,5 millones de dólares (alrededor de 5,2 millones de euros).
"El propósito de todas mis fotos es capturar el poder de la naturaleza y expresarla de modo que inspire algún tipo de pasión y conexión con la imagen", asegura el fotógrafo en un comunicado.
El récord anterior lo tenía la fotografía Rhein II (1999), una imagen del río Rin, del fotógrafo alemán Andreas Grusky, subastada en 2011 por 4,3 millones de $ (3,4 millones €s) por Christie's en Nueva York.

Una venta de 10.000.000 $

La venta a este coleccionista, que prefiere mantenerse en el anonimato, también incluye otras dos obras maestras de Lik, Ilussion (Ilusión), por 2,4 millones $ (1,9 millones €s), y Humores eternos (Eternal moods), por 1,1 millones de dólares (883.000 €s), con lo que la cifra final es de 10 millones de dólares (8 millones €s) y coloca cuatro imágenes del australiano entre las 20 más caras de la historia -anteriormente había vendido One (Uno) otra por 1 millón $ (803.000 €s)-.

Phantom y Eternal Moods son representaciones en blanco y negro de Ghost (Fantasma) y Eternal Beauty (Belleza eterna), icónicas imágenes anteriores de Lik, quien es conocido por sus fotografías de la naturaleza con colores vibrantes, de forma que el uso del blanco y negro es una rareza dentro de su estilo.

Uno de los lugares favoritos de Peter Lik para fotografiar a la madre naturaleza es el Antelope Canyon de Arizona, un cañón tallado durante millones de años por el agua y en donde se encuentra esa caverna subterránea donde tomó la imagen de Fantasma, ese figura fantasmal en blanco y negro.